超越色彩:中國當代藝術

 

超越色彩:中國當代藝術

 

《超越色彩:中國當代藝術》展出五位生於不同年代的抽象藝術家的精彩之作,包括André Kneib,孫鈞鈞,藍正輝,李磊和仇德樹。

《超越色彩》以抽象繪畫頗具活力和視覺吸引力的色彩語言,試圖捕捉當今時代的特征;這與畫廊於今年舉辦過的另一展覽《黑白至上》相互關聯而又有所區分。此次展覽無疑是關懷當下的,同時亦指涉和反思著中國繪畫歷史中色彩演變的歷程。盡管參展的五位藝術家有著不同的教育、思想和文化背景,來自不同的國家,出生於不同的年代,他們各自以獨特的方式揭示著其作品與色彩之間的豐富關系,從而共同構畫出當代抽象繪畫實踐中對色彩的獨創性運用。

從原始時期到封建王朝時期、再到十九世紀,隨著社會階層、審美品位、哲學、宗教和文化的演變,中國繪畫中的色彩也經歷了發展、停滯、繁盛等不同的發展階段。中國繪畫中的色彩運用,與其說是受到西方文化、藝術思潮和實踐影響的一種現代的或當代的現象,不如說它是與中國內部的文化變遷相壹致,逐漸吸收西方文化和藝術影響的漫長演變過程。從藝術形式、審美、觀念、社會、政治、宗教、哲學和文化等因素來考量,色彩在中國繪畫歷史中的角色和發展紛繁復雜,並未形成壹個主導的思想。

與其他門類的藝術發展相似,中國繪畫中的色彩演變從原始的單純性開始,逐步演化和成熟,在經歷了繁盛時期後重新回歸到一種簡單性。據考古發現,最早的有顏色的繪畫可追溯至漢代以前。漢代(公元前206年-公元200年)墓穴中發現的帛畫、東晉(265年-420年)顧愷之的繪畫標誌著四世紀時色彩的盛行。南朝(420年-589年)謝赫提出了“隨類賦彩”的繪畫原則。唐代初期(618年-907年)的繪畫中也使用了豐富的色彩,直到中唐時期以水墨為主要表現形式的文人畫開始發展起來,對色彩的使用變得更加微妙。

至十世紀時,文人畫家已經廣泛地以水墨創作山水畫,或輔之以少量的色彩。在南宋時期,以水墨山水為題材的繪畫相當繁盛,並成為文人畫的主流。文人畫與色彩艷麗的宮廷畫截然不同,它在元代(1211年-1368年)達到高峰,其影響一直綿延至明代(1368年-1644年)和清代(1644年-1911年)。

在幾個世紀中,繪畫中色彩的發展逐漸衰微。儒家、道家和佛教思想盛行,主張精神應處於凈化、平靜和純潔的狀態,在這樣的背景下文人畫家排斥在畫作中使用過多的顏色,並把它視為庸俗和乏味的。另外,在五代時期高質量的宣紙和墨汁變得更加易得,也使以水墨創作更加經濟可行。自此之後的中國繪畫中便鮮見色彩的痕跡,這種情況一直持續到19世紀,政治的動蕩和西方文化的傳入讓色彩開始重新回到繪畫中。處於這一時代的許多藝術家開始探索中國繪畫的新出路,他們通過學習西方藝術而了解到色彩、色彩作為一門科學的重要性,以及以抽象的方式運用色彩的諸多藝術運動。這些藝術家或者在國外接受訓練、或者從日益發展的文化交流中獲益。政治觀點的改變提高了農民的社會地位,色彩鮮艷的民間藝術隨之發展起來。文人畫家和職業畫匠之間的界限逐漸被打破。價格便宜的水彩、油畫顏料和丙烯等西方繪畫材料的引入,也為藝術家提供了更多可供選擇的創作媒介,繪畫由水墨主導的局面逐步讓位於壹種更加富於變化的、色彩豐富的藝術環境。

對於大多數傳統中國繪畫而言,藝術創作的原則——包括對色彩的使用——並不僅僅局限於對真實世界進行再現。與藝術家在繪畫中所抒發情感和表達精神相比,對色彩使用的技術考量總是處於次要的位置。此次展覽的藝術家不單是在色彩的運用上獨樹一幟,他們的作品亦得益於中國豐富的藝術和文化傳統,更蘊含著更為廣闊的創新精神——尤其體現在對作品表現形式的關註、對藝術哲學和方法論的思考上。這些作品共同開啟了一場關於色彩的對話,將自身立於當代抽象藝術實踐的新領域。

仇德樹於1948年生於上海。他是自80年代國內少數當代水墨藝術家中獲得國際認可的藝術家。仇在幼時習得傳統水墨畫和篆刻,然而他的藝術生涯卻被文化大革命所阻。當一切都塵埃落定之後,他重新拿起畫筆,並組織了“草草畫社”成為中國第一代在後毛時代的藝術實驗團體。在80年代早期,以“裂變”為主題地創作風格成為他的代表作品,裂變的概念呈現了中國的哀痛與轉身,是對藝術家曾經戲劇化瓦解又獲新生重塑後的生活與事業形象比喻。在這些作品中,他在宣紙上覆蓋生動的色彩,用撕裂宣紙的手法來構建圖形、色彩與留白而形成的作品,蘊藏著藝術的深邃和無限生命力。

藍正輝於1969年出生於中國四川,1987年畢業於四川美術學院。現工作和生活於中國北京和加拿大多倫多。藍正輝的巨幅作品和對墨的獨特使用反映了他對描繪和感知的持續追求,他的作品以一種抽象和潑墨的風格在“紙上爆發”。受其理工背景的影響,藍的審美靈巧地遊走於理智和感性世界。他的抽象風格更突出了水墨自身的意義,當重量使其成為一種系統的身體運動的同時,也使作品的視覺和精神沖擊與肌肉,熱血,體力一起膨脹。此次展覽的作品中,他將色彩豐富的丙烯顏料施於宣紙上,以大膽的用色挑戰傳統的媒介和形式。

孫鈞鈞於1973年出生於中國江西,18歲時移居美國。她在紐約藝術學生聯盟以及渥太華美術學院接受藝術教育,師從美國視幻藝術大師第一人Larry Poons。孫鈞鈞認識到自身文化之根的重要性,她決定重新回到北京。現在她生活和工作於紐約與北京。

孫鈞鈞的作品沈浸在繪畫的純粹和華美之中,在看似胡亂的塗畫和大塊筆觸中隱約透露出別樣的風景。她的作品吸收了法國印象派、抽像表現主義和中國自然而流暢的筆觸的影響,以豐富的抽象構圖捕捉著稍縱即逝的、閃閃發光的水波和舞動的陽光。她的繪畫源出於她最真實的自我和存在,被賦予本體的自覺性和暫時性的意味。孫鈞鈞的作品結合了豐盈的色彩、詩意的線條和無畏的藝術精神-她將繪畫本身看作一種愉悅和“大愛”。

André Kneib(出生於1952年)的家鄉在法國的阿爾薩斯-洛林地區。1995年,他師從巴黎塞爾紐斯基博物館(Musee Cemuschi)的韓國書法大師Ung-No Lee學習書法。現在,他在巴黎的國家東方語言學院(INALCO)和巴黎索邦大學擔任講師並教授中國文化。

André Kneib的書法作品著重關註漢字中每個字的字義與情感共鳴之間的微妙關系。他對於中國現代書法最為重要的貢獻可能就是色彩的引入,他將色彩作為表達漢字的形式結構與情感內涵的元素。在某些作品裏,精細微妙的色彩變化強化了高度姿態化的書寫動作,同時突出了筆墨的形態;在此次展覽的作品中,色彩構成了漢字的血肉,敏銳細致的形式韻律感浸淫著飽滿充沛的色調,為筆觸增加了具有無比感染力的廣度與深度。他由此界定了一個全新的範疇,提出了真正的跨文化形式與表達問題,留待中國內外的當代書法家進一步去探索。

李磊於1965年出生於中國上海。他是中國最早從事抽象藝術創作的重要藝術家之一。他的作品深植於中國的哲學和文化傳統,超越了亞洲藝術的形式限制而不失其抒情性特征,發展出一種自由的、不受限制的藝術表達方式。

李磊的繪畫作品在他藝術生涯的初期即走向非具象。他的抽象繪畫一直映射著他自兒童時期起就留存在記憶中的山川景象。正如馬家窯文明和它遠古的神秘傳奇一樣,中國東北的河流、植物、動物和黃土地無不影響著李磊作品的形式和色彩。他的作品既是抽象的,又是圖畫性的,正如他所說,這些作品反映了個人的感受和情感,它們真正地“發自於內心”。

此次展覽呈現了五位具有不同背景的藝術家對色彩獨到的表現方式,他們的作品為我們呈現了當代抽象藝術中對色彩所進行的深思熟慮的、復雜的和有意義的思考和實踐。