策展人陳浩陽與A.A. Murakami對談創作過程，以下是11條問題的節錄：
陳浩陽（DC）是藝術門香港和上海的策展人，曾於奧沙畫廊（Osage Gallery）和外灘滬申畫廊（Shanghai Gallery of Art）任職總監。
A.A. Murakami是Studio Swine藝術設計工作室背後的藝術家，其創作遊走於雕塑、電影和沉浸式裝置，他們的作品探索全球化時代下的區域認同及未來資源主題。
1. DC：您們如何定義藝術實踐和探索？
AAM：我們的藝術實踐是源於對不同材料的興趣，而這就是探索世界的其中一種方式，亦是探討人類如何減少對大自然的破壞及與其共存的方法。我們對材料著迷，因為不同材料塑造了我們，我們的城市、我們的文化、我們的價值觀。我們希望在不同領域中游走，創作會界於夢想與現實之間的模糊界線上。這是一條不斷變化的創作之路，我們研究不同材料與嶄新技術的結合，並註入我們在藝術和建築層面上的不同知識。
2. DC：夢想與現實之間如何轉換？
AAM：正如亞瑟・查理斯・克拉克 (Arthur C. Clarke) 所說:「要知道可能的界限，唯一的途徑就是要跨越這個界限。」對我們來說，這意味著創作路上要做一些推測性的項目，並將一些尚未實現的事物可視化，以使其成為事實。因此，我們可能會設計一個在海上收集塑料的系統，在船上打造一個移動工廠，然後出海實現想法。
我們對科學中的藝術和藝術中的科學感興趣，所以我們會思考如何將兩者結合為世界帶來新的體驗和藝術形式。目前大多數的科技藝術都依賴常見的界面，如投影、LED 界面和 VR，這些技術基本上是不同形式的數字屏幕；然而，我們的日常生活已頻繁接觸屏幕，所以我們不想令創作依賴於人們熟悉的界面。對於我們來說，那些熟悉的界面不會讓我們的生活變得更好或讓我們的體驗更豐富。
我們相信科技正以無形的方式融入未來生活，就如下雨般的自然現象，我們稱作品為「非自然現象」的裝置。我們注重物品的短暫性和質量，我們希望該物件會給觀者帶來生理反應，不僅是視覺或聽覺刺激，更要通過嗅覺和触覺繞過大腦的語言部分，直達某些感覺或回憶。
3. DC：根據您們的說法，是否代表實踐就是將豐富的情感與嚴謹的空間意識結合？您們可以詳述這點嗎？
AAM：村上梓主修建築，而我則修讀藝術。機緣巧合下，我們同時報讀產品設計研究課程，並在那里相遇。其後，我們倆都希望能將不同創作領域的精髓相互融合進行創作、構建空間。
當開始設計時，我們認為設計的功能性意義不大。例如最常見的設計原型是椅子，基本功能就是坐。而過去的150年裡，大規模生產早已解決了這個問題，我們可能已有足夠多的椅子供全球的人來坐。但與此同時，椅子也是思想的載體，設計的重要作用之一就是表達我們當下時代，以及我們作為一個文明社會的寄望。設計和藝術可以創造一個空間，亦可傳遞故事和喚起一種感覺，這才是我們實踐的重點。
4. DC：您們第一個合作項目《Sea Chair》的創作動力和理念是什麼？
AAM：11年前的一個晚上，我們正在收聽 BBC Radio 4一部有關海洋塑料的科學紀錄片，這個話題想當年是不太廣為人知，亦是我們第一次意識到這個問題。全集紀錄片是紀錄海洋生物學家穿越大西洋進行塑料採樣，讓我們開始反思人造材料在海洋存在的問題。
我們當時是要製作一把椅子，並企圖證明在一個充斥著椅子的世界裡再製作一把椅子的合理性。我們的想法是在船上打撈海洋漂浮的塑料廢物，並製成一張塑料椅，而不是由工廠生產出椅子再運往全球。
5. DC：您們曾指出創作是有問題的行為，因為創作就是在一個已經物資過剩的世界中再製造出更多的物質，助長無休止的過度消費，並消耗了地球有限的資源。那麼在藝術和設計領域上，這種困境有什麼解決方案呢？
AAM：雖然與大規模的工業生產相比，藝術生產只屬一小部份，但它對文化的影響卻不容忽視，所以我們認為有責任考慮藝術的環境足跡，因為它與抱負和消費文化有密切關係。
我們知道問題所在，所以集中研究材料的運用和作品的壽命。可持續發展曾被視為不受歡迎的議題，整個項目就像“維他麥”（Weetabix）。傳統上，用於藝術創作的材料離不開雕塑、大理石、青銅。雖然這些材料都很好，但我們發現藝術的精髓就是將不受歡迎的原材料化作唯美的作品。其實，如今很多藝術家都對這個主題感興趣，他們會利用日常再平凡不過的或很容易被忽視的事物，以超凡的方式創作出藝術作品，就像翠玉白菜或安迪沃霍爾的“濃湯罐頭”。在這個自然資源持續減少、廢物卻在不斷增加的地球上，藝術可以改變社會的價值觀。
我們發現創造與可持續發展的挑戰是推動創新和探索的好方法，它帶領我們出海收集塑料；到亞馬遜熱帶雨林搜羅野生橡膠和發掘更多材料；到山東的頭髮交易市場；到聖保羅街頭製作移動火爐熔化鋁罐做作品等。
